Album der Woche mit Arlo Parks: Der Blues der letzten Generation

Die Musik auf ihrem zweiten Album erzählt von den Folgen dieser Überforderung. »My Soft Machine«, das ist ihr eigener Körper, der zwar durch die neu gefundene Liebe von euphorisierenden Endorphinen durchtränkt ist, aber immer noch die Schrunden der jüngsten Zeit mit sich herumträgt – eine verletzliche Maschine, die nicht rund läuft. Die Stimmung ist also gedrückter, der Sound synthetischer, ein akustisches Abbild der Plastikrealität ihrer Wahlheimat.

Statt dem warmen Soul und analogem Folk von Vorbildern wie Nick Drake oder Elliott Smith stand nun der elektronische Hyperpop von britischen Dance-Persönlichkeiten wie Joy Orbison oder John Glacier Pate, sagte Parks kürzlich dem »Guardian« . Produziert wurde das neue Album von US-Pop-Spezialisten wie Ariel Rechtshaid (Haim) und Buddy Ross (Frank Ocean). Es ist ein Sound, der muskulöser und reifer, aber auch kühler wirkt, der sich mehr Experimente und Beats zutraut, auch mal lautstark mit Gitarren raumgreift wie die Neunziger-Indierock-Hommage »Devotion«.

Der Großteil der neuen, wie gewohnt tagebuchartigen Lieder jedoch fließt melancholisch und leicht benommen dahin. Die Fröhlichkeit, die bei aller Tiefe und Tragik der Songtexte bisher durch Parks’ Songs wehte, scheint verflogen. Pop-Hooks, wie etwa im verknallt glitzernden »Pegasus« (mit Parks’ guter Freundin Phoebe Bridgers), gibt es jetzt seltener, manches verdröhnt gar im Mainstream-Einerlei (»Dog Rose«). Aber das bedeutet nicht, dass die Songwriterin Parks weniger funkelt. »Purple Phase« und »Room (Red Wings)« greifen noch einmal ihre Rolle als Achtsamkeitsengel vom Debüt auf, sie handeln von Freundinnen, die zu nah an den Drogenabgrund gekommen sind und gerettet werden müssen.

Parks gibt sich fragil, aber auch gestärkt durch ihre eigenen Krisen. Zu Beginn des Albums, im schönen »Bruiseless«, sehnt sie sich noch nach der Unschuld der Kindheit zurück: »I just wish I was seven and blameless«, akzeptiert dann aber weise in »Hurt Forever« den Gen-Z-Blues, dass sie und ihre Alterskohorte nur verängstigte Kids sind, die irgendwie mit dem ganzen Kummer klarkommen müssen: »I know some things don’t get easier, / I know some things hurt forever«.

Am stärksten ist Parks immer dann, wenn sie Celebrity- und Markennamen (Wim Wenders und Juliette Binoche, Mugler-Sonnenbrillen und Cadillac Esclade) in ihre anekdotischen Texte einstreut – nicht als Checker-Pose, sondern um sie realitätsnäher wirken zu lassen. Ihre Beschreibungen sind plastisch, wenn sie in »I’m Sorry« eine unangenehme Beziehungsszenerie auf dem Weg in ein Diner schildert: »Petrol in the air, wisteria and scrambled eggs« – man riecht und schmeckt es förmlich.

In dem Song, einer der besten des Albums, geht es darum, wie sehr die Protagonistin, in diesem Fall wohl Parks selbst, darunter leidet, sich nicht der anderen Person öffnen zu können: Es sei leichter, sich stumpf zu stellen, singt sie, während sie sich ständig entschuldigt, es sei halt schwer, jemandem zu vertrauen, daran würde sie unablässig arbeiten: »Tried to tell my therapist everything, tried to meditate, fuck the pain away, tried to move out to L.A., dye my hair lime, be a saint«, zählt sie in einer Art Rap-Gesang ihre Katharsis-Odyssee auf, »but I won’t peek through the blinds I’ve shut in myself and so nothing changed.«

Ein zaghaftes Blinzeln ins Licht durch die halb geschlossenen Jalousien des Gemüts, das ist ein schönes Bild für den Sound dieser Platte, die zwischen Nervosität und Taubheit, Lähmung und Aufbruch eine besondere Spannung findet – und Storyplots, die sich wie Szenen aus einer Emo-Soap auf Netflix lesen. Arlo Parks bleibt sich selbst und dem Zeitgeist vorerst auf der Spur. (7.7)